DÍA 6
The World to Come
Adaptada del cuento homónimo de Jim Shepard de 2017, este drama romántico de época sigue a dos mujeres casadas, Abigail y Tallie, y la relación amorosa que florece entre ellas durante el siglo 18 en Nueva York. La película es dirigida por Mona Fastvold y protagonizada por Katherine Waterston (Fantastic Beasts), Vanessa Kirby (Pieces of a Woman) y Casey Affleck (Our Friend). La cinta es contada desde el punto de vista de Abigail, a través de entradas en su diario.
A sus 98 minutos de duración, The World to Come se consagra como el filme más romántico presentado durante esta edición del Festival de Sundance. La producción entera da cátedra a la hora de transportarnos a otra época. A través de una exquisita producción que incluye fantástico trabajo del departamento de vestuarios maquillaje y peinados, la directora nos deleita con un romance prohibido lleno de inmensa pasión y amor. La fotografía de André Chemetoff y la inquietante banda sonora de Daniel Plumberg elevan los sentidos y conmueven a lo largo de las diferentes estaciones del año. Y aunque su ritmo es a fuego lento e incluye bastante narración, elementos que pueden asustar o alejar a parte de la audiencia, creo que los demás elementos mencionados ayudan este romance épico salir hacia adelante.
En fin, The World to Come resultó ser la perfecta selección para cerrar lo que ha sido un espectacular festival de cine. Gracias por acompañarnos. ¡Y hasta el año que viene!
DÍA 5
Pleasure
La nueva película de la directora sueca Ninja Thyberg, Pleasure, es un retrato explicito y revelador de la industria pornografía de hoy día. En ella una joven sueca de 19 años llamada Bella Cherry (Sodia Kappel) llega a los Estados Unidos en busca de convertirse en la próxima estrella de porno. Y durante el resto de su duración, vemos su ascenso desde el punto de vista femenino, y los sacrificios físicos y emocionales que debe hacer para lograr su meta. La cinta contiene contenido sexual gráfico y violencia sexual.
Sin duda el film más impactante del festival, Pleasure confirma lo que muchos ya saben sobre la industria de porno, y para otros podría resultar un tsunami de revelaciones de cómo funciona uno de los negocios más lucrativos del mundo. En tu cara y sin rodeos, su directora presenta las cosas básicamente como son, crudas e incómodas. La cinta muestra como Bella poco a poco va perdiendo su identidad, seguridad y control para así poder complacer los requisitos de este mundo lleno dominado por hombres. Esto incluye todo el impacto físico y emocional que la chica debe soportar, que va desgastando su alma y pasión. La arriesgada apuesta mayormente funciona en su totalidad gracias a su estilo cuasi documental que muestra mucho de la experiencia en tiempo real. Quizás demasiado para muchos, Pleasure sin duda dejó su marca en el Festival de Cine Sundance.
Judas and the Black Messiah
¡Yo soy un revolucionario! El nuevo largometraje de Shaka King (Newlyweeds), Judas and the Black Messiah, cuenta la historia real del informante del FBI, William O’Neal, individuo que infiltró el partido Black Panther de Illinois a finales de la década de 1960 y traicionó a su líder Fred Hampton. Protagonizada por Daniel Kaluuya (Get Out), LaKeith Stanfield (Sorry to Bother You) y Dominique Fishback (Project Power) la cinta presenta la tensión racial de ese momento en la historia y como la FBI consideró a Hampton como una amenaza y conspiró en su contra.
Aunque el drama biográfico se mantiene bastante por el libro a la hora de estructura y estilo, Judas and the Black Messiah cuenta con unas excelente actuaciones y una sólida historia que sigue siendo muy relevante hoy día. Kaluuya da una enigmática interpretación como Hampton, donde podemos sentir la seguridad de la figura frente a una multitud mientras da un discurso, y al mismo tiempo su lado vulnerable y la presión que llevaba encima de no defraudar el movimiento y mantenerse enfocado en sus metas. Mientras tanto, Stanfield impresiona al trabajar las dos caras de la moneda de su situación. Primero, la relación de manipulación y poder con el FBI y segundo, lidiar con su culpa sobre los actos cometidos contra su propios amigos y compañeros. Son dos actuaciones complejas, con varias capas de por medio y sobre personas que existieron. Este departamento resulta lo más sobresaliente de este drama histórico que sin duda recibirá múltiples nominaciones durante la época de premios.
DÍA 4
Prisoners of the Ghostland
Fácilmente la película más alocada y bombástica del festival hasta ahora. Los actores Nicolas Cage (Con Air) y Sofia Boutella (Atomic Blonde) protagonizan esta explosion de géneros situada en un baldío postapocalíptico que incluye samurais, vaqueros, cultos y mucho más. La supuesta historia en papel sigue a un ladrón de bancos que es liberado de la cárcel por un rico para que encuentre a su nieta adoptada desaparecida, a cambio de su libertad. En adición, el protagonista debe llevar un traje que se autodestruirá en cinco días de no lograr la misión o desviarse de la misma.
Dirigida por el japonés Sion Sono, Prisoners of the Ghostland rinde tributo a todos esos diferentes géneros y al mismo tiempo se burla un poco de ellos. De un lado, los visuales y música son buenos, mientras que la acción y violencia sin duda satisfacen al espectador. Pero del otro lado, la historia es un revoltillo de ideas, el diálogo es risible y las actuaciones son bastante malas, con todo y tono establecido. Luego de una chistosa secuencia de introducción a la premisa, el resto del filme no logra conseguir el mismo tipo vibra. El resultado es una película que mezcla lo Kill Bill de Tarantino, lo Fury Road de George Miller con un poco de Wizard of Oz. Sin duda, un entretenido desastre.
Land
Con Land, la actriz Robin Wright, mejor conocida por su trabajo en Forrest Gump y la serie House of Cards, logra el salto a detrás de la cámara como directora. Su largometraje sigue a una mujer que intenta reconectar con la vida y volver a atrapar algún sentido de motivación luego de que su vida es alterada drásticamente por una tragedia.
Aunque es una premisa que ya hemos visto numerosas veces anteriormente, Wright logra distanciarse un poco a la hora de enfocarse en la naturaleza. Sin duda, la cinta se encuentra en su mejor momento cuando Wright brilla luz sobre su personaje cuando se encuentra acoplándose a la hermosa naturaleza que la arropa en un bosque de los Rocky Mountains. Es aquí que la fotografía y la atmósfera brillan. Los momentos más calmados y de silencio sobresalen, al igual que cuando vemos a la protagonista lidiar con el peligroso panorama que trae la época de invierno.
En cuestión de las actuaciones, Wright no decepciona como Edee, fácilmente transmitiendo emociones que estiran desde la depresión hasta la esperanza. Mientras tanto, Demián Bichir se luce como la persona que llega a su vida por casualidad, en el momento más indicado. Ver su relación crecer también es uno de los aspectos sobresalientes del largometraje.
Together Together
Esta comedia romántica sigue a un padre soltero que desea convertirse en padre y la madre sustituta que acuerda al proceso. Protagonizada por Ed Helms (The Hangover) y Patti Harrison (A Simple Favor), Together Together resulta en una entretenida comedia con mucho corazón y humor incómodo, que subvierte el concepto de la usual comedia romántica.
Uno de los grandes aciertos de esta comedia quirky es la relación que florece entre los personajes principales, Matt y Anna. Una que va evolucionando de una esperada relación distante y de transacción, a una de amor platónico. Dirigida y escrita por Nikole Beckwirth, la película triunfa gracias a la química entre los actores y un guión witty y al día (Friends!). En adición, el actor Julio Torres se roba el show y suma risas como el compañero de trabajo de Anna. En fin, la cinta resulta por traer algo nuevo y diferente al género, y por tocar temas serios de una manera refrescante e interesante.
Marvelous and the Black Hole
Este dulce coming-of-age story sigue a una niña de 13 años que aún lucha con la muerte de su madre, y cuando es atrapada por vandalizar su padre la amenaza con enviarla a un campo de entrenamiento para jóvenes delincuentes. En el camino Sammy (Miya Cech) conoce a Margot (Rhea Perlman), una maga que la toma bajo su ala como pupila. Es este dúo improbable lo que ayuda este drama con comedia a mantenerse a flote. Dirigida con mucha energía y estilo por Kate Tsang, la película explora temas serios como la pérdida, angustia y rencor a través del poder curativo de la magia y la imaginación. Aunque los brincos entre lo serio y el chiste puede ser brusco, la cinta hace suficiente bien para terminar ofreciendo una historia entretenida, pero con corazón y sentimientos profundos. Cabe mencionar la actuación de Perlman, quien es excelente como la maga veterana que tiene sus propias batallas.
Eight for Silver
Este drama de horror y suspenso del director Sean Ellis inyecta nueva vida y energía al subgénero del hombre lobo. El drama de época nos transporta a finales del siglo 19 donde el barón Seamus Laurent masacra a un clan romaní, desatando una maldición sobre su familia y aldea. Poco después su hijo Edward desaparece y un niño es encontrado asesinado. Pensando que el responsable es un animal salvaje, traen a un patólogo (Boyd Holbrook) para que ayude a encontrar la siniestra presencia que los acecha.
El guión de Ellis genialmente logra buscarle la vuelta a la mitología del hombre lobo. Desde su creación hasta el concepto de las balas de plata, el libreto logra combinar nuevas ideas con algunas del pasado, creando así una historia refrescante y digna para los fans del género. La fotografía y música elevan la cinta por completo, al igual que el trabajo de vestuario, maquillaje y peinado. Ahora, donde la cinta tropieza es en el departamento de efectos visuales – en específico, las criaturas. Y, la película también peca de usar mucho los “jump scares”. Dicho esto, la película está chévere si te gusta el horror de época, la mitología del hombre lobo, y todo el gore y violencia que trae consigo.
DÍA 3
Mass
Varios años después de que una tragedia cambió sus vidas para siempre, dos parejas se reúnen para dialogar. ¿El detalle importante? Dos son los padres de una de las víctimas de un tiroteo en una escuela y los otros dos son los padres del autor del horrible acto. Esta es la situación que yace en el centro de la impresionante y magnífica ópera prima del director y escritor Fran Kranz (Cabin in the Woods). Una que explora los temas del dolor, pérdida, ira y perdón. En adición, el tenso largometraje trae a la discusión fílmica los temas de la salud mental y control de armas. Todo lo que presenta Kranz en tiempo real y enfocado, es conmovedor y poderoso. La dirección es sencilla y para nada llamativa, y esto ayuda a transmitir en todo momento un gran sentimiento de incomodidad.
La cinta incluye cuatro actuaciones fenomenales. Los actores Ann Dowd (The Leftovers), Reed Birney, Jason Isaacs y Martha Plimpton, posiblemente dan las mejores interpretaciones de su carrera. Cada uno tiene su momento, y cada uno logra que el espectador no tan solo simpatice con su personaje, sino que también lo cuestione.
Aunque es ridículamente temprano para estar hablando de premios y galardones, Mass probablemente forme parte de la próxima época de premios y Oscars. Y si es así, sería muy merecido. Al momento, la mejor película del festival.
Street Gang – How We Got to Sesame Street
Big Bird, Kermit the Frog, Oscar the Grouch, Bert & Bernie y muchos más. Estos son algunos de los icónicos personajes que forman parte del legado del adorado y visionario programa de televisión educacional Sesame Street. El nuevo documental de Marilyn Agrelo (Mad Hot Balloon), Street Gang: How We Got to Sesame Street, retrasa los inicios del programa y sus logros desde entonces, convirtiéndose en un fenómeno cultural por más de 50 años.
Interesante, informativo y nostálgico, el documental consiste de entrevistas con personas involucradas con los comienzos del programa, como escritores, actores y titiriteros. En adición, el filme presenta pietaje original del programa, pietaje tras bastidores jamás antes visto, y bloopers. En él vemos como su creador Joan Ganz Cooney y su director original Jon Stone se juntaron para formar un programa de televisión que ayudará a educar niños necesitados o sin acceso a educación. También vemos como los maestros titiriteros Frank Oz (Star Wars) y Jim Henson (The Muppets) tomaron gran interés en la causa y trabajaron juntos en Sesame Street – sin duda mi sección favorita.
Otro aspecto sobresaliente del documental es la sección en que muestran cómo el programa siempre estuvo adelantado para su tiempo. Como siempre apoyó y dio espacio para la inclusión y representación de diferentes razas y culturas. También como siempre de una manera respetuosa e inteligentemente tocaba temas serios para niños, como el bullying, la religión o la muerte.
Hayas sido fan o no del programa en algún momento, no hay duda de que Sesame Street dejó una huella inmensa en la industria del entretenimiento, educación y la cultura popular. Muy, muy bueno.
Passing
Situada en el caluroso Harlem de la década de 1920, Passing sigue a una mujer negra de clase alta llamada Irene, que se encuentra a una ex compañera de escuela secundaria llamada Clare. Ambas son afroamericanas de piel clara y de familias mixtas, pero cada una ha decidido vivir de manera distinta. Clare ha estado “pasando” de blanca y alejándose de su pasado para lograr elevar su estatus en la sociedad.
Filmada con la antigua relación de aspecto 4:3 y con una hermosa fotografía a blanco y negro, la ópera prima de Rebecca Hall (Vicky Cristina Barcelona) resulta una tremenda producción, donde el trabajo de vestuarios, maquillaje, locales y vehiculoss son de primera calidad. Y, todo esto ayuda a que el espectador se transporte con facilidad a esa época y situación. Sin duda, lo más sobresaliente del largometraje.
Basada en la novela homónima de Nella Larsen de 1929, la película explora temas que aún son muy relevantes hoy día como el racismo, la obsesión, el miedo y la verdad. Realmente, lo único en su contra, es que el filme resulta algo frío y ambiguo en sus intenciones. Su directora baila alrededor del tema central, pero nunca decide ir más allá con él. De haber sido un poco más concreto en este departamento, la cinta hubiese mejorado significantemente.
DÍA 2
Rita Moreno: Just a Girl Who Decided To Go For It
Después de más de 70 años en la industria del entretenimiento, la legendaria actriz puertorriqueña Rita Moreno continúa enamorando al público alrededor del mundo. ¿Su más reciente conquista? El festival de Cine Sundance 2021. El documental titulado Rita Moreno: Just a Girl Who Decided To Go For It debutó ayer en la más reciente edición del prestigioso festival que usualmente se celebra anualmente en Utah, pero este año tomó la ruta virtual debido a la actual pandemia. Dirigido por la puertorriqueña Mariem Pérez Riera, el divertido y revelador filme recorre la ilustrada carrera de la reina latina desde sus comienzos en Humacao, donde se la pasaba descalza y constantemente bailando, hasta su más reciente proyecto de televisión, la aclamada serie One Day at a Time. La cinta reflexiona sobre los altos y bajos, retos y decepciones, que la también bailarina y cantante ha enfrentado a lo largo de su carrera de más de 70 años en el mundo del entretenimiento. Moreno es una de tres personas en la historia en lograr ganar un premio Peabody, Emmy, Grammy, Oscar y Tony (PEGOT). Recipiente de la Medalla Presidencial de la Libertad, la actriz es mejor conocida por su trabajo en películas como West Side Story (1961), The King and I (1956) y Singin’ in the Rain (1952).
Además de contar con Moreno hablando de su vida con la honestidad y picardía por la que ya se le conoce, uno de los aspectos sobresalientes del documental de Pérez Riera es la manera en que te lleva a través de su viaje de reflexión. Con un ritmo movido y divertido, la directora te mantiene interesado en todo momento, ya sea con pietaje viejo, imágenes y el uso de animación como presentación en algunas secuencias. En estas partes la directora genialmente presenta a Moreno como una muñeca de papel, en la que cada cierto tiempo recibe un “makeover” dependiendo de un específico momento en su vida.
En adición a incluir entrevistas con personas cercanas a la actriz y colegas como Lin-Manuel Miranda, Eva Longoria, Gina Rodriguez y Morgan Freeman, otro aspecto afectivo del documental es su falta de temor a la hora de explorar temas oscuros y sensitivos en la vida de la artista. Moreno reflexiona sobre el discrimen y acoso sexual recibido desde sus principios, incluyendo siendo victima de violación, sufrir un aborto forzado y un intento de suicidio. Para los fans casuales de la intérprete, estas secciones serán reveladoras e importantes.
En fin, hacerle justicia a la increíble carrera y vida de Rita Moreno no es tarea fácil, pero el excelente documental de Pérez Riera se luce en el intento. Me encantó de rabo a cabo. ¡Altamente recomendado!
How It Ends
En esta pequeña comedia protagonizada por Zoe Lister-Jones (The Craft) el mundo se va a acabar a causa de un asteroide en ruta a la Tierra. Y una chica llamada Liza intenta decidir qué hacer con su último día de vida. Esta es la premisa simple pero divertida de How It Ends, el nuevo filme del director Daryl Wein (White Rabbit). Filmada durante la pandemia de Covid-19, la cinta triunfa gracias a su humor peculiar y concepto refrescante que ve a la protagonista interactuar con su propia versión mucho más joven. Esta dinámica propulsa un entretenido viaje que explora temas como el arrepentimiento y amor propio. Ahora, en su contra, la cinta se torna algo repetitiva en su ejecución y con el transcurso se siente más como múltiples viñetas de comedia enlazadas por las protagonistas. Aunque estos son elevados por diferentes cameos (invitados) reconocibles, la verdad es que la dinámica va perdiendo su encanto y su impacto (cómico) se va deteriorando. Pero gracias al estilo y excelente timing para la comedia de Lister-Jones y el aura de improvisación de la historia ayudan a la cinta salir a flote. Entretenida, quizás no tan memorable.
In the Earth
Situada en un futuro donde el mundo es devastado por un virus mortal, la nueva película del director y escritor Ben Wheatley (High Rise, Free Will) sigue a un doctor que deja su aislamiento para dirigirse junto a una exploradora de parque a un centro de investigación en lo profundo del bosque. En el camino ambos se topan con una figura con intenciones dudosas y repentinamente se ven luchando por sus vidas. Lamentablemente el trabajo más reciente de Wheatley queda lejos de su mejor trabajo. Más “body horror” que ciencia ficción, In the Earth juega de manera desbalanceada con los temas ecológicos de Annihilation y la paranoia de It Comes at Night. Su guión tropieza con una historia no muy interesante y con sorpresas que no ayudan a mantener la atención. Salvo la banda sonora de Clint Mansell, apoyada de notas de sintetizador, el resto de una decepción. Uno de los proyectos más flojos hasta el momento del festival.
DÍA 1
CODA
El Festival de Cine Sundance 2021 abrió anoche al son de una pequeña película con inmenso corazón. El nuevo filme de la directora Siân Heder terminó siendo la opción perfecta para una audiencia mayormente virtual debido a la pandemia de Covid-19. CODA (Child of Deaf Adults) sigue a Ruby, una joven adolscente (17 años) que es el único miembro oyente de una familia sorda. En adición conocemos que su familia, padres y hermano, se ganan la vida como pescadores. Hasta el momento, Ruby siempre ha servido de traductora entre su familia y el resto del mundo, y esto va causando obstáculos y cierto rencor a la hora de mantener sus estudios, crear nuevas amistades y más que nada, seguir su verdadero sueño de cantar. El resultado es un tierno y conmovedor coming-of-age story que toca el tema de la accesibilidad e inclusión de la comunidad con discapacidad auditiva. La cinta es cargada por la excelente y reveladora interpretación de Emilia Jones y un tremendo reparto que incluye a los actores Troy Kotsur, Marlee Matlin y Daniel Durant. Redondeando el elenco se encuentra Eugenio Derbez, como el dramático profesor de música que nota el talento de Ruby y la toma bajo su ala. El actor brilla en papel secundario, inyectando humor con su personaje, pero al mismo tiempo siendo efectivo en los momentos más emocionales entre el maestro y la estudiante. CODA es un remake americano de la comedia dramática francesa, “La Familie Bélier de 2014.
One for the Road
Drama tailendés que trata sobre un bartender y su mejor amigo con cáncer terminal que emprenden en un road-trip con miras de hacer las paces con el pasado. Dirigida por Baz Poonpiriya (Bad Genius) y producida por Wong Kar-wai (In The Mood for Love), el filme impresiona en todo lo técnico, como por ejemplo, la fotografía y el trabajo de sonido. Otro aspecto sobresaliente es el uso de música por el director, quien confecciona un soundtrack genial. Lamentablemente, el fallo más grande de One for the Road es que intenta hacer demasiado. Su ritmo es frenético en un instante y luego frena por completo. Otro momento es de humor y de repente brinca a uno serio y emocional. Este ejercicio se torna agotador, causando que el espectador se desconecte de los dos protagonistas y el melodrama que los acompaña.
Pendientes a CineXpress más cobertura del Festival de Cine Sundance 2021.
